BAphoto live ´20

BAphoto Live es una plataforma dedicada a la promoción, difusión y comercialización de fotografías. Un espacio virtual diseñado en función de las circunstancias actuales, que ofrece al público una selección de obras a través de la participación de más de ochenta galerías de arte de diferentes países y trayectorias. Al mismo tiempo, BAphoto Live permite acceder a contenidos curatoriales gratuitos que apuntan a seguir estimulando el interés en la producción artística y expandir su alcance a nuevas audiencias.

Sección Gallery Show

Gallery Show estará compuesto de sesenta galerías de arte de diferentes paises y trayectorias. A través de una plataforma digital diseñada especialmente para la ocasión,  la primera edición de BAphoto Live ofrecerá así una selección especifica de obras, que incluyen piezas históricas, fotografías vintages y producciones contemporáneas.

Para la edición actual, mostraremos obra de las artistas Flora de Neufville y Karen Miranda Rivadeneira. Ambas artistas utilizan diversos medios fotográficos para acercarse al territorio; un territorio que se lee desde la sensibilidad y el cuerpo.

Karen Miranda Rivadeneira

Karen Miranda Rivadeneira, artista ecuatoriana-estadounidense que se enfoca en la memoria, representación y la narrativa a través de procesos colaborativos e historias personales. Karen ha colaborado extensamente con su familia para crear proyectos fotográficos y ha colaborado con diferentes comunidades indígenas en las provincias del Bolívar y Napo (Ecuador); y recientemente en el desierto de Nuevo México. Ha exhibido en el Portrait Gallery del Museo Smithsonian de Washington D.C. y en el museo de Queens. Ha participado en el Nueva York Times portafolio reviews en dos ocasiones, en el Fotofest de Houston, y en el tercer Latin American fórum en Sao Paulo, Brasil. En el 2018 fue nominada al Prix Pictec, el Foam Paul Huff Award, The Rolex Mentor & Protégé initiative; y, fue finalista del Premio Hariban. Publicó su primer libro con Autograph ABP en el 2018. Karen es una de las mentoras para el Woman Photograph mentorship program y fue acreedora del premio WeWomen, para el cual está desarrollando un proyecto en Nuevo México. Para BAphoto mostraremos una selección de la serie MEDA es un estudio mítico que tiene el cuerpo-tierra. La tierra como el primer lugar que habitamos y nuestro cuerpo como nuestra primera tierra.

Nos complace informarles que Karen Miranda Rivadeneira fue seleccionada entre mas de 200 artistas para Open File, un ciclo de entrevistas en el que 12 artistas son invitados a revisitar la historia de sus imágenes a partir de una anécdota o recuerdo vinculado a su archivo personal. Las entrevistas fueron realizadas por Marina Oybin. Link: https://www.buenosairesphoto.com/Open-File/Open-File-8-Karen-Rivadeneira

Flora de Neufville

La producción de Flora de Neufville, artista contemporánea, parte de la observación y acercamiento a distintos organismos de entornos específicos. Le interesa comprender su existir en el mundo y la relación que puede generar desde sus múltiples formas y carácter orgánico a través del vínculo corporal y sensorial. Construye narrativas íntimas que escapan de la realidad cotidiana y a la vez acoge el contexto inmediato que la rodea. El constante movimiento en su obra se extiende hacia objetos e instalaciones exploradas mediante diversos procesos estéticos. La fotografía experimental, ha sido un medio para el desarrollo de un herbario parásito, investigación abierta en permanente expansión. Desde la morfología del paisaje, y el principio parasitario, se detiene en su posible abstracción.

https://www.instagram.com/flora_deneufville/

PArC ´20

Sección NEXT

Curada por Florencia Portocarrero

Ante el distanciamiento social implementado por la crisis del COVID-19, la feria PArC (Perú Arte Contemporáneo) ha creado una plataforma virtual que no reemplaza a la feria en sí, que será llevada a cabo en el 2021, pero que habilita el contacto entre el público y los artistas y galería. A partir del día 22 de abril, dicha plataforma ya se encontró activa durante un mes.

Gabriela Fabre

Artista visual y docente (Guayaquil, 1984).

Docente de arte en el Liceo Los Andes de Guayaquil (2011-Actualidad). Docente de Historia del arte del Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador “ITAE” (2014-2015).

Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Casa Grande de Guayaquil. Tecnóloga en Artes Visuales por el Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador “ITAE”. Actualmente cursa la Maestría en Educación Inclusiva en la Universidad Casa Grande de Guayaquil.

Miembro del Colectivo Las Brujas, junto a Gabriela Cabrera y Romina Muñoz.

Serie Mobiliario para el consuelo, 2017

La serie Mobiliario para el consuelo está concebida como un conjunto de objetos escultóricos, que tienen cada uno la función de consolar dolencias del cuerpo y del alma. Estos objetos fueron pensados en un principio para facilitar y mejorar ciertas posturas que tomaba mi cuerpo (y mi mente) al sentirse triste, melancólico, nostálgico, cansado, etc. De esta manera, el objeto que se adapta a mi anatomía, suplía, entre otras cosas, hombros, brazos, espaldas ajenas que suelen necesitarse en esas circunstancias. Mobiliario para el consuelo, consiste en una serie de muebles, entendiendo al objeto mueble, como un objeto funcional que sirve para facilitar ciertas actividades y usos comunes. Los muebles para el consuelo intentan hacer posible, a partir de sus formas, instancias de consuelo. Quien te consuela, te entiende, o intenta hacerlo. Los objetos cumplen cada vez más funciones humanas; el tacto, las caricias, a veces no se consiguen de quienes esperamos.
La propuesta surge en la exploración constante en espacios propios y ajenos, interiores y exteriores, con la intención de analizar cómo la distribución y la forma de los objetos en estos espacios hacen que las dinámicas tengan sentidos y funciones especificas, y de esa manera pensarse – con el cuerpo – otras posibles dinámicas.

Gabriela Fabre

Juan Miguel Marín

Juan Miguel Marín (Ecuador, 1980) es un artista multidisciplinario con sede en Brooklyn, NY. El trabajo de Marin explora la relación entre memoria, sonido y emoción. En sus piezas, el inconsciente juega un papel crucial, como una guía que revela un camino que solo se puede ver una vez que se ha viajado en en su totalidad.
«A través de mi trabajo, espero crear un espacio para autorreflexión, un momento para reconectarse con nuestra humanidad «.
El trabajo de Marin ha sido realizado, instalado y exhibido en la ciudad de Nueva York, San Francisco, Milán, Amsterdam, Quito, Lima y San José (CR), entre otras.

www.juanmarin.me

«Under the influence» (Bajo la Influencia)

«Dibujo bajo la influencia» (Bajo la Influencia), es un cuerpo de trabajo de dibujos automáticos a gran escala y representaciones de dibujo específicas del sitio. En esta serie en curso, Marin se balancea constantemente por paisajes sonoros ambientales meditativos creados con grabaciones de campo específicas del sitio, ambiente sonidos y artefactos.

Serie “Pasa el Sol”

“Pasa el Sol” me costó años. Es formalmente mi primera serie después de haber trabajado los últimos 8 años en “Bajo la Influencia”, obra que ha definido mi camino como artista. Abrir el abanico es importante, pero reconocer el momento adecuado para hacerlo fue más complejo de lo que imaginé. Cuando finalmente sucedió, me aferré al papel periódico como materia prima. Me obsesionan sus propiedades. La forma en la que éste se compenetra con la pintura acrílica, y aún más el hecho de que el paso del sol afecte su tonalidad. Suelo tener planchas de papel periódico recibiendo “baños de sol” en lugares específicos de mi estudio por temporadas. A veces por años. Recuerdo que los primeros exámenes en la escuela venían en papel periódico. Hoy, que estoy cerca de los cuarenta, quiero darle la bienvenida a mi vida a todo lo que me acerque a la infancia.
Juan Miguel Marin

Leonardo Moyano

Artista visual(Guayaquil – Ecuador, 1991) que está culminando sus estudios en la Universidad de las Artes (Guayaquil). Su proceso creativo se desarrolla a partir de recorridos constantes donde construye una especie de arqueología urbana tomando como protagonistas lugares existentes en la ciudad, que se han convertido de manera indirecta en espacios olvidados mediante procesos de regeneración urbana.
www.leomoyano.wordpress.com

“Expedición Aurora»

Esta obra hace referencia a La Expedición Antártica Australiana, también conocida popularmente como Expedición Aurora o Expedición Mawson, dirigida entre 1911 y 1914 por Douglas Mawson. Esta expedición tenía como objetivo explorar y cartografiar parte de la costa de la Antártida, situada al sur de Australia entre el cabo Adare y el monte Gauss, la cual había sido poco estudiada. Mediante la superposición y uso de archivo, desconfiguro el uso de la imagen como elemento principal reelaborando una nueva visibilidad desde la forma concreta de la misma; reconstruyendo nuevamente la imagen. La obra está dividida en segmentos, situada como una cartografía del espacio mismo antes de ser estudiado.

Leo Moyano

ARTMADRID ´20

Programa General

Stand A13

La 15ª edición de Art Madrid tendrá lugar del 26 de febrero al 1 de marzo de 2020 en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, una cita ineludible con el arte contemporáneo que cada año cuenta con mayor presencia internacional y atrae un mayor número de visitantes. Para celebrar el 15º aniversario, Art Madrid ha organizado una edición muy especial en la que todos podrán disfrutar del arte contemporáneo del momento en un evento lleno de novedades.

A lo largo de su trayectoria, Art Madrid ha sido escaparate de numerosas galerías y artistas de todas las disciplinas (pintura, escultura, obra gráfica, fotografía, videoarte, instalaciones artísticas…). La feria se define como una propuesta cercana al público y a la realidad del mundo del arte, consciente de los retos futuros y del impacto positivo de iniciativas como esta. Este año reunirá a cerca de 50 galerías nacionales e internacionales que aportarán una visión actual y fresca del panorama artístico mundial.

Paul Rosero (Quito – Ecuador, 1982)

Paul Rosero Contreras (Quito, 1982) es un artista conceptual que trabaja con información científica, realismo especulativo y distintas narrativas ficcionales. Su trabajo explora temas relacionados a geopolítica, problemas medioambientales y la relación del humano en ecosistemas extremos. Rosero recibió un MFA del Instituto de Artes de California – CalArts y un Master Interdisciplinario en Sistemas Cognitivos y Medios Interactivos en la Universidad Pompeu Fabra, en Barcelona. Su obra ha recibido premios nacionales e internacionales y ha sido expuesta ampliamente en la 57a. Bienal de Venecia, Pabellón Antártico, Italia, en la 5a. Bienal de Moscú de Arte Joven, en el Museo Quai Branly de París, Francia, en el Instituto Cervantes de Roma, Italia, en el Museo de Historia de Zaragoza, España, el Centro de Arte H2 de Augsburg, Alemania, en la 11a. Bienal de Cuenca, Ecuador, en Import Projects, Berlin, Alemania, en la 1a. Bienal Antártica, en la 1a. Bienal del Sur en Argentina, en la SIGGRAPH 2017 en Los Angeles, entro otros sitios. Rosero enseña e investiga en la Universidad San Francisco de Quito.
www.paulrosero.com

Cosmos: Lluvia Gris (2019), fotografía digital y video
Serie: Daule Meteorite (2016), instalación How to find a meteorite in a lake full of alligators

***

– The question is how we think projects that are not subscribed to States or regions marked by borders and by the Official History. I think when we explore places or territories with forms of knowledge that do not necessarily have to do with rationality but with other sensibilities, is that we are getting into the territory of language, and that is something very complex to manage. I still believe in some level of mystery in art, but that has nothing to do with that Benjamin’s aura, but rather, that I think that art, whatever it is, although not material, still keeps certain level of “indecipherability”. It is a mystery that does not necessarily translates into an apprenticeship. The work-spectator experience is not given solely on the ground of reason or communication. Art is not communication.

– In this case, I propose setting up an emerging geography, linked to certain places in dispute, where the idea of sovereignty is still suspended. That is the entrance to the geopolitical issue of Antarctica, for example, and that happens when an object falls from space: Who owns it? I think these examples allow me to disrupt the ideas of territory and think how man colonizes not only from the superposition of the human species, but with the specific charge of the country even in the most inhospitable environment and in the most fantastic circumstances.

Conversation between the artist and curator Pablo Jose Ramirez

Serie: Island (2016), meteorito pulido

“We have no need of other worlds. We need mirrors. We don’t know what to do with other worlds. A single world, our own, suffices us; but we can’t accept it for what it is.”
― Stanisław Lem, Solaris

Karen Miranda Rivadeneira (Quito – Ecuador, 1982)

Graduada de la School of Visual Arts en New York, su trabajo durante la carrera se centró en el arte de performance, los estados de trance y las tradiciones nativas. En todos sus proyectos existe una colaboración directa con comunidades. Lo que captura a menudo se basa en sus antecedentes personales y en los lugares que tiende a gravitar (el Amazonas, los Andes y el suroeste de los Estados Unidos).

www.karenmiranda.com

Serie: MEDA (2019), fotografía análoga

Meda is fictitious

As in its Latin root: to make by hand; made of clay; Earthen. It pertains to the imagination to the realm of dark creative forces MEDA explores our relation to nature from the principle of myth and memory embedded in the body as land and land as our first body.
Deep in the mind of every living human there are memories that can be traced back to millions of years and they can be activated under specific sounds, patterns, and images. Ancient cosmologies shaped by geography, dust and blood.
The female body and the land have been the subjects of oppresion, subjugation and ownership. I am intersted in the stories that pour out of the body; creating narratives that reclaim, and reseed a deeper relation to the land. What I capture and encounter in my muses is their relation to the body as the first land that we live in, which is also a land that bleeds.
We live in tumultuous times, contemplating the land is contemplating our origin and also where we are heading. MEDA is an anthology of the essentiality of intersectional storytelling, autonomous bodies playing, and our increasing need for a new paradigm.

PINTA ´19

Sección Countries

Stand PC7

After more than a decade, PINTA MIAMI is one of the main references of Latin American Art for collectors, professionals, museums, and Institutions. The event establishes itself with an Ibero American focus, counting with the presence of Spain. The country is presented at Pinta Countries Section along with Argentina, Brazil, Ecuador and Colombia. Curated by Roc LasecaAlicia Ventura and Oscar Roldan, the galleries will present two different artists being both, or at least one of them, born after the 80’s. This section intends to allow visitors to discover new artists.

Saskya Fun Sang (Guayaquil – Ecuador, 1991)

Saskya Fun Sang is a multidisciplinary artist and art educator from Guayaquil, Ecuador. Her artistic practice is primarily focused on gender and women issues, feminism, and the female body. Her work has been shown in and outside Ecuador and she has been part of the +ARTE Gallery booth in Latin American contemporary art fairs such as PaRc Lima in Perú and ChACO in Chile. She obtained her BFA from The School of the Art Institute of Chicago (SAIC) with emphasis on Ceramics, and Fiber and Material Studies in May 2016 and her MA in Art Education at the same institution in May 2019. Saskya is currently a Fiber Arts teacher at Universidad San Francisco de Quito. Living and working (and crying and laughing) in Ecuador.
www.saskyafunsang.com

Eating My Own Heart: A Love Story, series (2019)
– It’s a Great Sex Sort of Thing (violet)
– Beauty and Truth are Fucking Confusing (wine)
– Why Can’t I Be Kind to Myself? (coral)
– I Think the Truth Was My Own Innocence (yellow)
– Everything Not Saved Will Be Lost (dark purple)

My Flaws are Otherwordly (and I want you to look at them),series I’m interested in sparking conversations about “imperfect” bodies, about excess, about the volume and weight that our layers of skin have, about the unreal standards that have been set for my body and yours. I present to you the so called “flaws” that make my body unique, and mine. And I hope you enjoy the view.

ULTIMA RATIO

Photographic series / artist book
Summer 2018 | Brooklyn, NY
To Marina, who without knowing it, helped me gain perspective and strength during this process. I thank you.
And Alejandro, who broke not only my heart, but my entire body in pieces. I thank you, too.
ULTIMA RATIO shows the way in which, very unexpectedly, Marina Abramovich’s memoir Walk Through Walls helped me gain perspective and understanding towards my heartbreak, my pain, and my confusion.
I cried with and for Marina in the process and I’m sure she would have cried with, and for me, too. The quotes taken from the book refer to her own heartbreaks, and they have been re-organized in order to fit mine.

Leonardo Moyano (Guayaquil– Ecuador, 1991)

Artista visual que está culminando sus estudios en la Universidad de las Artes (Guayaquil). Su proceso creativo se desarrolla a partir de recorridos constantes donde construye una especie de arqueología urbana tomando como protagonistas lugares existentes en la ciudad, que se han convertido de manera indirecta en espacios olvidados mediante procesos de regeneración urbana.
https://leomoyano.wordpress.com/

PROPIEDAD PRIVADA “Estudio de Paisaje Fronterizo” (de la Serie Prácticas y Estrategias de Control)

Propiedad privada nace como propuesta cuando me encontraba realizando la documentación del espacio, con otros fines, debido a que fui obstaculizado y se me prohibió la entrada al terreno privado donde se encontraba un panóptico, elemento de vigilancia y control, que sería el elemento principal de la propuesta; al igual que la garita del guardia que cuidaba ese cerro. Debido a impedimento de acceder al lugar por parte del personal del espacio, decido elaborar una serie ligada al recorrido; esta vez como espectador lejano. Resulta en una secuencia a manera de recorrido, encontrando finalmente dicho elemento que custodia la nada en uno de los cerros de Guayaquil.En la serie se evidencia variaciones del paisaje a través del lente que por momentos enfoca los elementos principales: el panóptico y la estructura destinada para la vigilancia. El recorrido se irrumpe con premedetimación al representarlo atravesado por diferentes nubes que se introducen en el paisaje y, por momentos, hacen abstracta la manera de visualizarlo; cuestionando el carácter del mismo.

Bitácora

La bula menor Inter caetera II fue otorgada por el papa Alejandro VI en 1493 a favor de Fernando e Isabel, reyes de Castilla y Aragón. La novedad más importante que introdujo esta bula fue la definición de un meridiano que determina que todas las tierras «halladas y por hallar» al oeste del mismo pertenecerían a los reyes de Castilla y Aragón. Esto supuso un cambio favorable para los Reyes Católicos respecto al breve Inter caetera inicial, el cual estipulaba que sólo las tierras que fuesen descubiertas por navegantes castellanos pertenecerían a la corona castellana. De esta manera, citando este documento me refiero al enfrentamiento con nuevos territorios conquistados, ubicando en el imaginario un no lugar como lo son las aguas territoriales sin limites ni determinaciones geográficas; ubicando dentro de la composición el texto de la Inter caetera II, en el cual se asentaban los limites que iban a ser determinantes en ese periodo histórico.

Revelamiento – registro: Antigua Cárcel municipal de Guayaquil de la serie “Prácticas y estrategias de control”

Un relevamiento es una revisión, una investigación o un estudio de algo. Lo que se hace al relevar, en este sentido, es registrar cierta información que se detecta a partir de una observación. Mediante la extracción de papel tapiz que se encontraba en una de las paredes de la antigua cárcel municipal de Guayaquil en el área de oficinas me apropio de este elemento para resinificarlo mediante la escritura y describiendo varios elementos que hacían parte ya de un paisaje desolador, que hablaba y contaba historias por sí mismo. Redacto los nombres de estos elementos encontrados en la antigua cárcel municipal ya en desuso, escrito en máquina de escribir como si se tratase de un personaje que recién llega y tiene que dejar sus pertenencias para elaborar un conteo de dichos objetos, describiendo todo el paisaje con palabras puntuales y medidas de ese objeto que es documentado a través de la escritura. De esta forma abordo en este contexto la re significación de signos puntuales y descriptivos mediante este archivo para re significarlos y cargarlos de un contenido histórico como lo es la antigua cárcel municipal e Guayaquil que hoy en día es un espacio abandonado carente de algún uso pero con una carga contextual e histórica.

PARC ´19

Sección NEXT

Stand N6

David Cevallos D. (Quito – Ecuador, 1986)

Artista visual. Obtuvo su Licenciatura en la Carrera de Artes Visuales de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Ha expuesto en Quito, Guayaquil y Cuenca en más de 30 exhibiciones colectivas y 5 individuales. Fue miembro fundador de No Lugar (2010 – 2011). En 2012 fue uno de los 10 artistas ganadores del Premio Nuevo Mariano Aguilera en la categoría de Creación Artística por su proyecto “Ejercicios de Paciencia”. Su trabajo se ha mostrado internacionalmente en ferias de arte como Junta (Buenos Aires 2012), arteBA (Buenos Aires 2014, 2015, 2017), Odeón (Bogotá 2014, 2015) y JustMad (Madrid 2015). En 2016 participa en 2 exposiciones colectivas fuera del país: Rompeflasche (Augsburgo) y Chaupi Equateur (Paris). Vive en Quito, Ecuador.

davidcevallosdiaz@gmail.com

Fernanda Murray (Quito – Ecuador, 1995)

Artista Visual. Estudió su BFA en The School of The Art Institute of Chicago con un enfoque en escultura, cerámica y administración de arte. En junio del 2017 asistió a la residencia artística de la Fundación Valparaíso en Mojácar España. Tras

esto, trabajó para el centro de arte Hangar.org en Barcelona, como asistente en la parte de producción y administración. Al regresar a Chicago, trabajo como asistente de Tricia Van Eck, ex-curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, en su nuevo espacio de arte 6018North. Después de graduarse en diciembre del 2018, regresó a Quito donde estableció su estudio de escultura, al igual que su marca de joyería Glub. Su trabajo se ha exhibido en espacios como No Lugar, Violenta, DPM Gallery, Sullivan Galleries (Chicago), entre otros.

www.fernandamurray.com

David Orbea. (Guayaquil – Ecuador, 1986)

En mi trabajo recurro a la abstracción como recurso para la identificación de patrones y convenciones homogéneas del sistema socioeconómico el cual rige a la sociedad actual. Esto lo hago mediante el uso de refritos de teorías de la modernidad las cuales práctica y funcionalmente coexisten en la contemporaneidad, logrando finalmente hacer un señalamiento de la difusa barrera existente entre arte y mercado (arte/ vida).

A partir de esto propongo experimentos pictóricos en los cuales me apropio y edito las convenciones visuales cromáticas y geométricas encontradas en diseños industriales, mass media y en la arquitectura. Haciendo un acercamiento al universo de la pintura en su tradición formal-abstracta.

Tecnólogo en Artes Visuales con mención en pintura del Instituto de Artes del Ecuador, ITAE (2017). Además, posee una Licenciatura en Publicidad y Mercadotecnia en la Universidad de Guayaquil (2012). En 2018 fue seleccionado para participar en la XIV Bienal de Cuenca. Ha participado en la residencia Chivox No Lugar, Quito-Ecuador (2016) y en talleres como: Ante la tensión del visible, taller de creación artística en el espacio urbano (2015), dictado por el artista brasileño Rubens Mano.

En el 2016 su obra “Air force one (Boyeros)” obtuvo el 3er premio del Salón de Julio de Guayaquil, y en el mismo año presentó su primera muestra individual titulada “Jumpers.” En 2017 realiza su segundo solo show “Benchmark” y en 2018 “Objeto/fetiche”.
Su trabajo ha formado parte de algunas exposiciones colectivas en el Ecuador como: Premio Brasil arte emergente 2017, CAC, Quito. Lo-fi: baja calidad y virtud, Violenta, Guayaquil. Del mundanal ruido, Funka fest 2017, Línea Fatum, Casa del ALBA, La Habana Cuba. Tránsito 82-16, DPM Gallery, Guayaquil. GAVP, galería de arte en la vía pública, Guayaquil. Entre otras.

Actualmente es integrante del colectivo de arte “Chivox” y miembro fundador del espacio cultural “Violenta”.

davidorbeap.wordpress.com

ChACO ´18

Sección PLANTA

SASKYA FUN SANG (Guayaquil, 1991)

Artista multidisciplinaria con experiencia en proyectos curatoriales y de educación del arte. Obtuvo su BFA por the School of the Art Institute of Chicago, con énfasis en cerámica y arte en fibra (2016). Actualmente realiza sus estudios de MA en Art Education en SAIC. Vive y trabaja en Chicago. La liberación sexual, el placer y los estigmas asociados a su cuerpo, y su posición como mujer, son nociones recurrentes en su práctica artística.

www.saskyafunsang.com

LEONARDO MOYANO (Guayaquil, 1991)

Artista visual que está culminando sus estudios en la Universidad de las Artes (Guayaquil). Su proceso creativo se desarrolla a partir de recorridos constantes donde construye una especie de arqueología urbana tomando como protagonistas lugares existentes en la ciudad, que se hanconvertido de manera indirecta en espacios olvidados mediante procesos de regeneración urbana.

KAREN MIRANDA RIVADENEIRA

Graduada de la School of Visual Arts en Nueva York, su trabajo durante la carrera se centró en el arte de performance, los estados de trance y las tradiciones nativas. En todos sus proyectos existe una colaboración directa con comunidades. Lo que captura a menudo se basa en susantecedentes personales y en los lugares que tiende a gravitar (el Amazonas, los Andes y el suroeste de los Estados Unidos).

www.karenmiranda.com

BAPhoto ´18

Stand S3

Para la sección Special Rooms de BAphoto, +ARTE presenta la obra de dos artistas ecuatorianos que abordan desde la fotografía el paisaje político & la representación del paisaje aludiendo a la vivencia y la memoria. Ambos artistas son observadores críticos del paisaje local. Por un lado, Nicolás Saavedra desde la postfotografía, evidencia una etapa política que deja huellas en el paisaje.

Mientras que Karen MirandaRivadeneira trabaja con comunidades indígenas de la sierra recreando/inventando mitos;y ,a la vez, tendiendo puentes de reflexion sobre la naturaleza y las representaciones del paisaje. Ambas propuestas se conectan con la noción del paisaje no solo por su representación del mismo en la imágen, sino por el proceso de creación que involucra el performance realizado dentro de los espacios fotografiados y en la postproducción. Saavedra logra crear una composición que contrasta épocas, ideales y cromáticas. Rivadeneira crea una serie que narra utilizando la imágen, el uso y elaboración de papel e intervención de una realidad que oscila entre lo ficticio y lo real.

Gabriela Moyano

PARC ´18

Stand N5

Sección NEXT

Leonardo Moyano (Guayaquil – Ecuador)

Parto con una reflexión sobre las torres de vigilancia que aparecen en los archivos de los campos de concentración. Busco ese mismo elemento en el Barrio del Astillero, al sur de mi ciudad natal, Guayaquil. Esa zona vivió su apogeo cuando funcionaban los astilleros y las fábricas industriales. Ahora la zona está abandonada. Saco una torre de vigilancia en desuso: ya no hay nadie a quien vigilar, nada que custodiar. ¿Quien vigila a quién si la torre pierde su función? Elaboro una metáfora a partir de la función del vigilante y la recreo con 24 piezas, 24 horas, cada hora es un cuadro donde un movimiento vuelve extraña a la torre. La repetición del mismo elemento se conecta también con la rutina repetitiva del trabajo industrial, con la vigilancia incesante… Leonardo Moyano Mera (Guayaquil, 1991) es un artista visual. Estudia en el Instituto de Artes del Ecuador (ITAE). Su proceso creativo se desarrolla a partir de recorridos constantes donde construye una especie de arqueología urbana tomando como protagonistas lugares existentes en la ciudad, los cuales se han convertido de manera indirecta en espacios olvidados mediante procesos de regeneración de los mismos.

Brenda Vega (Quito – Ecuador)

“Orientación al objeto” es un cuerpo de obra fotográfica, que investiga la relación entre el objeto y la máquina por medio del colapso análogo-digital, dejando de lado al ser humano. La búsqueda de la ontología orientada al objeto inspirada en Heidegger y acuñada por Harman, radicaliza a la obra que se ve envuelta en un imaginario que existe más allá de la comprensión humana o la mera explicación de una pieza de arte. Con el uso de un escáner fotográfico para intencionalmente manipular el negativo análogo, se han encontrado gamas de colores que interrumpen la imagen de objetos que se dejan capturar y logran una realidad más allá del entendimiento antropocéntrico, este nuevo significado no incluye una propuesta sino una realidad próxima.

(Quito, 1984) Master en Artes de la Fotografía en la Universidad de las Artes de Londres (2016). Su espacio artístico cuestiona al humano del s. XXI y su compleja relación con la tecnología, así como la transformación del ser al navegar por el espacio digital. En el 2017 fue ganadora de la Beca Nodo – programa de artistas de No Lugar (Quito).

Saskya Fun-Sang (Guayaquil – Ecuador)

¿Qué sucede cuando creamos estándares para nuestros cuerpos? ¿Qué sucede cuando, establecidos esos estándares visuales, partes de nuestro cuerpos cambian? Me interesa crear alternativas –reales y utópicas- que muestren la diversidad de posibilidades que existen para aquellas partes específicas de mi cuerpo que de cierta manera designan quién/qué soy. (Guayaquil, 1991) es una artista multidisciplinar. Obtuvo su BFA en el Art Institute Escuela del Instituto de Arte de Chicago of Chicago, con énfasis en Cerámica, Grabado y arte en fibra (2016). Actualmente, realiza sus estudios de MA en Art Education en SAIC. Vive y trabaja en Chicago.

Carlos Echeverría (Quito – Ecuador)

Se explora la dicotomía entre lo natural y lo artficial; donde el ser humano carece de un atributo evidente al enfrentar lo biológico con lo arquitectónico. Traduciendo su entorno urbano (logístico y paisajista) a la representación bidimensional, la escala de ésta contraposición va en aumento hasta llegar a infraestructuras de industria extractiva, pasando por la vivienda, la institución y el estado. (Polonia, 1981), doctor por la Academia de Bellas Artes de Cracovia y profesor del Colegio de Comunicación y Artes Contemporáneas de la Universidad San Francisco de Quito USFQ. El trabajo de Echeverría Kossak funciona como un espejo de este tiempo, un espejo cínico, crítico del poder y las instituciones, desafiante, hiriente y burlón. Ha expuesto en Arte Actual-FLACSO, +ARTE, Centro de Arte Contemporáneo de Quito, y participó en Open Eyes Festival en honor al profesor Leszek Misiak (Polonia, 2017). Acaba de presentar su primer libro comprensivo sobre su obra; “Narrativas de poder”.